ARTISTAS

Tatiana Arocha

Tatiana Arocha es una artista visual de Bogotá, Colombia, con sede en Brooklyn, Nueva York. Arocha, hija de uno de los principales antropólogos y ambientalistas de Colombia, creció en medio de la naturaleza, acampando desde la infancia con su familia en las diversas regiones ecológicas de Colombia. Pero fue la Ensenada de Utría en las selvas del Chocó la que finalmente dio forma a su visión artística del mundo. Ella ha comprendido desde que era muy joven que la naturaleza necesita ser explorada para encontrar una conexión real, y la flora y la fauna deben encontrarse en sus hábitats naturales para poder ser plenamente comprendidos.
La práctica artística de Arocha implica la creación de detalles en capas, composiciones gráficas y la aplicación de técnicas digitales aprendidas en su carrera profesional anterior como diseñadora gráfica e ilustradora. Ha expuesto en los Estados Unidos de América , el Reino Unido, y Colombia, con exhibiciones individuales en Sugar Hill’s Children Museum for Arts & Storytelling , la Universidad de Yale y el Jardín Botánico de Queens, y exposiciones colectivas en Nueva York en Wave Hill, BRIC y The Wassaic Project, así como el Lightbox Exhibition Project para MTA en el metro de Nueva York de 2017-2019. En 2019, recibió el premio individual de Sustainable Arts Foundation en medios mixtos. Ha participado en el Programa de Inmersión Artística LABverde ubicado en la Amazonía brasileña, Centro Selva en la Amazonía peruana, Arquetopia en Puebla, México, y más cerca de su hogar en The Wassaic Project en Nueva York, y la residencia de grabado de Zea Mays en Massachusetts.

Aníbal Vallejo

Aníbal Vallejo, nación en Medellín. Estudió artes plásticas en la Universidad de Antioquia y luego diseño de moda en la Colegiatura Colombiana de Diseño, ambas en la ciudad de Medellín. Posteriormente se radicó en Europa donde complementó su formación como pintor en diversos países: Inglaterra, España e Italia principalmente y luego estableció su estudio en la ciudad de Nueva York. Durante más de quince años ha participado en diferentes exhibiciones en galerías, museos y ferias internacionales. Vallejo cuenta con obras en colecciones privadas y públicas tales como la colección de arte del Banco de la República (Museo Miguel Urrutia, MAMU), el Museo de Arte Moderno de Medellín MAMM, el Museo de Antioquia y Related Group en la ciudad de Miami. Actualmente vive y trabaja en Medellín

Copia de-Aníbal Vallejo

Aníbal Vallejo, nación en Medellín. Estudió artes plásticas en la Universidad de Antioquia y luego diseño de moda en la Colegiatura Colombiana de Diseño, ambas en la ciudad de Medellín. Posteriormente se radicó en Europa donde complementó su formación como pintor en diversos países: Inglaterra, España e Italia principalmente y luego estableció su estudio en la ciudad de Nueva York. Durante más de quince años ha participado en diferentes exhibiciones en galerías, museos y ferias internacionales. Vallejo cuenta con obras en colecciones privadas y públicas tales como la colección de arte del Banco de la República (Museo Miguel Urrutia, MAMU), el Museo de Arte Moderno de Medellín MAMM, el Museo de Antioquia y Related Group en la ciudad de Miami. Actualmente vive y trabaja en Medellín

Fidel Álvarez

Fidel Álvarez, nació en Sincelejo-Sucre. Maestro en Educación por el Arte del Instituto Superior de Arte, Universidad de Las Artes, La Habana, Cuba y Licenciado en Artes Plásticas del Instituto Superior de Arte, Universidad de las Artes, La Habana, Cuba.

Premios, becas y reconocimientos
2017 Colombia, territorio líquido, Museo de Arte Moderno de Bogotá MAMBO.
2013 Participación en Conferencia Arte en Espacio Público, Universidad del Norte.
2003 Exposición: Fragmentos, Proyecto Batiscafo; Residencia otorgada por GASWORKS-Triangle Arts Trurt. London. Habana, Cuba
2003 Premio Hardy Meseum; Londres, a la obra Marina video art
2003 Premio Romerías de mayo; a la obra Ver donde otros miran II, Holguín, Cuba.
2004 Reconocimiento participación en el Programa teatral, Teatro Nacional de Guiñol.
2003 2004 Graduado Destacado a la mejor investigación titulada, “Las aves tienen poco que decir sobre Ornitología”.
2005-1, 2005-3, 2006-1 Excelencia Académica, Universidad Distrital Francisco José de Caldas.
Talleres recibidos

Kindi Llajtu

Kindi Llajtu, nació Manoy, Santiago, Putumayo. Maestro en Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia, Bogotá.  Su trabajo es el resultado de una singular mezcla de valores que involucra, por una parte, un legado cultural particular, diferente del de la mayoría de los artistas del país y, por otra parte, unos conocimientos actualizados sobre las técnicas, manejos a historia del arte occidental.

Obtuvo mención de honor de la obra “De naturaleza espiritual”  en el XXI Salón Cano Universidad Nacional de Colombia 1997, fue seleccionado para el calendario Propal 2005, pintura colombiana, las nuevas tendencias. Finalistas convocatoria premio Fernando Botero 2005, artista seleccionado convocatoria “el cambio” Banco Mundial. Washington D.C. agosto 2010- mayo 2011, su obra fue seleccionada en Salón Nacional 2010 “Ecos sonidos y silencio” en la zona sur Colombia.

John Nomesqui

John Nomesqui es maestro en artes plásticas de la Universidad Nacional de Colombia. ​Desde 2006 combina su actividad artística profesional con la docencia de las artes plásticas, experiencia que recoge en las investigaciones de Maestría en Ciencias de la educación “Arte contemporáneo, sostenibilidad y educación. Desarrollo teóricos y académicos” (2016) y de Especialización en Docencia universitaria “Diseño de una estrategia didáctica con fundamento en las artes plásticas para el abordaje de la sostenibilidad en la universidad” (2015).

 

Ha obtenido dos becas de creación Programa Nacional de Estímulos a la Creación y la Investigación. Ministerio de Cultura República de Colombia. Pasantía Nacional (Leticia-Amazonas, Colombia). Proyecto de Investigación y Creación ecológica: El Tejido: vestidos de pensamiento. 2009. Programa Distrital de Estímulos. Instituto Distrital de las Artes. Concurso Distrital Exposiciones en la Sala Alterna de la Galería Santa Fe y otros espacios de Bogotá. Proyecto de instalación escultórica-sostenible “Por favor, pise el césped”. 2008 y participado como ponente en III Congreso Internacional de Educación artística. Investigación e interdisciplinariedad. Universidad Distrital Francisco José́ de Caldas (2015); II Congreso Internacional de Educación artística. Investigación e interdisciplinariedad. Universidad Distrital Francisco José́ de Caldas (2017) y 9º Congreso Internacional de Educación Superior “Por una universidad socialmente responsable”. Ministerio de Educación Superior -La Habana, Cuba-(2014).

Juan Walker

Artista plástico, fotógrafo, creador y realizador audiovisual. En los últimos años ha trabajado en la creación, dirección y producción de proyectos experimentales; desarrollándolos en medios como la vídeo instalación y el cine expandido.

 

Estudió artes plásticas en la universidad Jorge Tadeo Lozano, hizo un diplomado de cine documental en  San Antonio de los balos en Cuba, estudió fotografía en la Salle college, y recientemente terminó una maestría de artes en creación en la universidad Tadeo.

 

Construye composiciones para hablar del tiempo, de la memoria, de la existencia, de la realidad y su ficción. Imágenes poéticas que  muestran un intercambio de materias, texturas, atmósferas, sonidos que fluyen al mismo tiempo. Procesos de ensamblaje, de multiplicidad y simultaneidad que se expanden a  experimentaciones temporales y hacia una construcción de la memoria colectiva, que dará cuenta de lo que hemos vivido o lo que queremos olvidar.

Maria Clara Figueroa. "Partitura del Recuerdo"

Maria Clara Figueroa se graduó como Maestra en Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano (2008-2013). Estudió un año el técnico laboral en orfebrería en la Escuela de Artes y oficios Santo Domingo, donde también cursó dos años y medio el técnico laboral en madera en la misma escuela (2013-2014; 2016). Además aprendió el oficio de la joyería durante dos años con el joyero Diego Ramírez (2014-2016) y produce actualmente joyería. En 2013 y 2014, participó en el taller de creación, NuevosNombres Desequilibrio y Movilidad dirigido por Rosario López y Andrés Gaitán, en el Museo del Banco de la República, cuyo resultado fue la instalación Deshabitar. Después de participar en varios proyectos colectivos, en 2016 realiza sus dos primeras exposiciones individuales, la primera Sacando perlas en el Parche Artist Residency y la segunda Amateur en KB Espacio para la cultura En el mismo año, participó en la exposición colectiva Un lugar y el tiempo, curada por Marlon de Azambuja y Alejandra Sarria en el Espacio Odeón. Otras exposiciones colectivas de interés en las que ha partipado han tenido lugar en: el Parche Artist Residency, Plataforma Bogotá, Salón comunal y The Warehouse Art, La Casita, entre otras. En 2017 fue ganadora de Beca BEMA, para realizar Escuela FLORA ars+natura dirigida por el curador José Roca y Adriana Hurtado y acompañada en ese momento por la curadora Adriana Pineda. En 2018 realizó la exposición Pintura Inmaterial en la Galería Doce Cero Cero  -12:00- y fue seleccionada para Artecamara en la feria ARTBO, por Carolina Ponce de León en la curaduría titulada Todo lo tengo, todo me falta.

Iván Castiblanco

Iván Castiblanco (Bogotá, 1986) egresado de la Academia Superior de Artes de Bogotá, entre su trayectoria cuenta con tres exposiciones individuales, ferias internacionales como Just Madrid, Scope Miami y ferias nacionales como, Odeon, Barcu, Art Chicó. Hace parte de la colección del museo de arte contemporáneo de Bogotá MAC y ha tomado parte en varias exposiciones colectivas nacionales e internacionales. Castiblanco reflexiona sobre las relaciones entre pasado y presente, la obra funciona como un hallazgo arqueológico, donde pisos, y juguetes  reconstruyen un legado material en la historia. La obra de Castiblanco transmite de una manera directa a los individuos noticias y sensaciones que provienen del pasado, dando al espectador la facultad de recordar, ante la conciencia de la pérdida de una continuidad cultural.

Joseph Kaplan. "Monoimpresión"

May 21, 1967
Nace / Born
Paterson, New Jersey.
E.E.U.U. / U.S.A

 

1985 - 1987
University of Miami 
Miami, Florida.
E.E.U.U. / U.S.A

1987 - 1988
Studio Art Center
International,
Florencia.
ITALIA / ITALY

1988 - 1990
BFA, Maryland Institute
College of Art
Baltimore, Maryland.
E.E.U.U. / U.S.A

1989
Summer program,
School of Visual Arts
New York, New York.
E.E.U.U. / U.S.A

1990
Universidad de los Andes
Bogotá D.C.
COLOMBIA

1994 - 1996
MFA, Hunter College
New York, New York.
E.E.U.U. / U.S.A

Mario Salazar "Versiones"

Mario Salazar nace en Bogotá el 16 de marzo de 1978. De 1992 a 1994, estudia dibujo y pintura en el taller de Ana Kerpel Bogotá. En 1996 ingresa a la Universidad Nacional a la carrera de Artes Plásticas hasta 2002.  En el año 2000  gana el primer premio del concurso nacional de pintura  Banco Ganadero, en 2005 participa en el calendario Propal “Pintura colombiana las nuevas tendencias” y ARBO 2005 muestra arte cámara Bogotá. En 2008 participa en la muestra “Ojo latino” museo de arte contemporáneo, Santiago de Chile. En 2009 expone individualmente “Ventanas” en el convenio Andrés Bello, 2010 la individual “Ritmo y tensión” en la Cámara de Comercio Bogotá, 2011 participa de la colectiva “Geometría en Colombia” Galería La Cometa Bogotá y en el 5 salón del arte bidimensional en la fundación Gilberto Alzate Avendaño. 

John Nomesqui

John Nomesqui es maestro en artes plásticas de la Universidad Nacional de Colombia. ​Desde 2006 combina su actividad artística profesional con la docencia de las artes plásticas, experiencia que recoge en las investigaciones de Maestría en Ciencias de la educación “Arte contemporáneo, sostenibilidad y educación. Desarrollo teóricos y académicos” (2016) y de Especialización en Docencia universitaria “Diseño de una estrategia didáctica con fundamento en las artes plásticas para el abordaje de la sostenibilidad en la universidad” (2015).

 

Ha obtenido dos becas de creación Programa Nacional de Estímulos a la Creación y la Investigación. Ministerio de Cultura República de Colombia. Pasantía Nacional (Leticia-Amazonas, Colombia). Proyecto de Investigación y Creación ecológica: El Tejido: vestidos de pensamiento. 2009. Programa Distrital de Estímulos. Instituto Distrital de las Artes. Concurso Distrital Exposiciones en la Sala Alterna de la Galería Santa Fe y otros espacios de Bogotá. Proyecto de instalación escultórica-sostenible “Por favor, pise el césped”. 2008 y participado como ponente en III Congreso Internacional de Educación artística. Investigación e interdisciplinariedad. Universidad Distrital Francisco José́ de Caldas (2015); II Congreso Internacional de Educación artística. Investigación e interdisciplinariedad. Universidad Distrital Francisco José́ de Caldas (2017) y 9º Congreso Internacional de Educación Superior “Por una universidad socialmente responsable”. Ministerio de Educación Superior -La Habana, Cuba-(2014).

PALOMA CASTELLO 2018

Paloma Castello nació en Bogotá, es Maestra en Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Realizó estudios de Platería y Madera en La Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo y en Técnicas de Reproducción Seriada de la Universidad de Los Andes. Tiene una maestría ne Fotografía Contemporánea  del IED  Madrid - España. Ha participado en diferentes exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional, expuso en la última versión del Salón de la Justicia en Artecámara Kennedy, en La Casa de América en España, en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, y en El  Salón de Artistas jóvenes en Tokio.

Su obra plástica se ha enfocado principalmente en recrear una narrativa distinta del pasado a través de diferentes objetos. Le interesa jugar con la memoria y relacionarla con el presente generando una atmósfera entre lo real y lo ficticio, en la que ella se involucra por medio de la autoficción. A través de su trabajo trata de dar vida a materiales que tuvieron vigencia en otras épocas y crear un juego de reinterpretaciones.

Jorge Magyaroff

Jorge Magyaroff es un artista Colombiano nacido en Bogota en 1979. Realizó sus estudios de artes plásticas en la academia de artes Guerrero entre los años 1998 y 2003. una vez concluidos sus estudios trabajó durante 3 años como profesor de artes dentro de un proyecto social de reinserción y rehabilitación de menores de edad en condiciones de vulnerabilidad extrema.

Una vez concluida esta etapa, Empieza a trabajar como asistente de taller del artista Colombiano Carlos Blanco entre los años 2007 y 2012. Este intercambio de conocimientos produce un cambio en la obra de Magyaroff, quien mantiene su interés inicial en la pintura, pero ahora busca expandirla a lo tridimensional, creando lo que mas adelante el llama objetos pictóricos.

Desde el 2012 ha participado en ferias internacionales como Art Marbella (españa), SP ARTE (Brasil), PINTA (Miami), ART STAGE (Singapur) entre otras. En el año 2015 su trabajo es seleccionado para representar a Colombia en la feria de arte ARCO Madrid y posteriormente en el 2016 es seleccionado para realizar un project room en la feria ARTLIMA 2016 que se realizó en la capital peruana.

Actualmente reside y trabaja en Bogotá, en donde junto con un grupo de artistas han creado el proyecto ESTUDIOS FAENZA, un espacio que congrega a 12 artistas que no solo trabajan en su obra sino que gestionan muestras colectivas e individuales, circuitos de estudios abiertos y han logrado dinamizar el movimiento cultural en el sector centro de la capital Colombiana.

Otoniel Borda

Otoniel nació en Bogotá, Colombia. Artista Plástico y Visual de la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas con mención meritoria por el proyecto de grado “RESERVA”. En su proceso artístico vincula a las distintas técnicas plásticas elementos del diario vivir, en una búsqueda personal para revalorar los diversos significados de los elementos y espacios cotidianos, en su trabajo se proyecta la necesidad de hacer visibles aspectos elementales que pasan desapercibidos en el frecuente afán de la vida.

Su obra ha sido exhibida en Italia, Perú, Cuba, México, Venezuela,  entre otros. Y ha sido Reseñada en Flashes From Colombia (Imago Mundi), Espacio Blanco, Arch20, Beautiful/Decay, Catálogo artBo 2012, catálogo 14 Salones Regionales de Artistas y Revista Bacanika.

William Bahos

Nació en Bolívar - Cauca. Maestro de Artes Plásticas de la Universidad de Cauca. Maestro en Artes Plásticas, Universidad del Cauca. Facultad de Artes Plásticas.

Su trabajo aborda diferentes aspectos de la imagen; que van desde, la ambigüedad entre la abstracción y la figuración, entre el gesto y la técnica controlada, entre la belleza del cosmos y la abyección que nos producen nuestros propios fluidos. Tomando en la mayoría de los casos como objeto de estudio el cuerpo, generalmente fragmentos de este, enfatizando en aspectos como el color, velando en cierta medida la sensación de violencia a la que es sometido continuamente y en otros casos profundizandola, utilizando técnicas como la pintura, el dibujo o la fotografía.

Leonardo Guayan

Realizó estudios en comunicación con énfasis en educación, trabajo con organizaciones y gestión de proyectos sociales, etnografía y fotografía documental durante 10 años en Colombia y América Latina. Realizó una maestría de literatura en Argentina. La fotografía que planteo se desarrolla en el campo de laimagen cotidiana;allílos paisajes y retratos en estado natural, trascienden a formatos no convencionales, donde el objeto hace parte del contexto y el lenguaje. La fotografía como imagen y texto, elongación de la experiencia;realidad y fantasía, caos, encantamiento y consumación; prolongación de la espiritualidad; escandalosa, subversiva y natural. Su estado de  pureza y alucinación es  tiempo  circular que despunta en lo efímero y desafía el principio de contradicción. Estas imágenes son y fueron luz y sombra, ausencia y realidad  y su  pequeño simulacro sosiega el silencio de los  días y las noches del lugar donde camino...

Sonia Gaitán

Sonia nació en Bogotá. Estudió Psicología en la Universidad Externado de Colombia, fue asistente de estudio del artista Jorge Magyaroff y ahora es asistente del estudio del maestro Jorge Riveros.

Para ella el acto de tejer siempre ha sido algo natural, es la forma en que se   construye como persona, como mujer, es su refugio, su compañía y su lenguaje. Llega al tejido casi por necesidad, como si su cuerpo se quisiera reconstruir a través del hilo y la aguja. Este acto la llevo a trabajar con comunidades de artesanos en procesos de apoyo psicosocial, allí aprendió el valor ancestral de esta práctica y entendió su mística. Por otro lado, llega a la pintura por accidente, fue un encuentro que estaba destinado a ocurrir. La pintura la buscó, la atrapó y al final cayo en su juego. No paso mucho tiempo para que el hilo se convirtiera en pintura y a su vez en forma. Donde la línea, el color, la composición y la textura dialogan entre sí para darle lugar a lo tradicional en lo contemporáneo, generando un cambio y movimiento constante pues la obra muta en sí misma y de ella nacen nuevas posibilidades.

Vicenta Gómez

Vicenta Victoria Gómez, artista plástica, egresada de la Universidad Nacional de Colombia, en el año 2005, ha desempeñado desde entonces, su práctica artística en articulación con el ejercicio de la docencia universitaria. Como docente es una interlocutor, una escucha atenta que cuestiona, aporta y se inquieta por la  interpretación de los fenómenos sociales (en especial el de la formación en artes visuales y su incidencia en la sociedad contemporánea), duda de las certezas y cree en un mundo que necesita movilizarse (constantemente, más desde la academia).

Gómez es una rigurosa investigadora, cuyo interés consiste en localizar las distintas y contrastantes facetas de los fenómenos que analiza para luego desplegarlos en su trabajo visual, (que funda raíces en los tránsitos entre el dibujo y la escultura). Esta cualidad de andar en el borde, le permite proponer con facilidad en la plástica y en la docencia alternativas de encuentro.

El concepto de compromiso que abraza Vicenta hacia el mundo, esta dado por la pasión con la que experimenta el sentido de la vida, es decir, es consciente de su accionar.

Fredy Forero

Fredy Forero nace en Bogotá. Maestro en  artes plásticas y visuales con profundización en medios digitales y video. Egresado de la Academia Superior de Artes de Bogotá en el año 2009.En su proceso artístico siempre está la necesidad de una mediación entre lo figurativo y lo abstracto como herramienta primordial para vincular al espectador de manera directa en su obra haciéndolo participe del resultado plástico. La relación del público con las obras no es una relación pasiva, el espectador siempre es vinculado de alguna manera como detonante de las mismas, es  decir, las obras necesitan de él para ser   completadas. La inquietud de  vincular lo digital, los nuevos medios está presente en su investigación artística mediante la experimentación Entre  diversos materiales y también el uso de dispositivos electrónicos como medio de Activación  de sus imágenes.

Fredy es un Artista  que está en una constante investigación para encontrar nuevos mecanismos que generen dinámicas particulares en sus propuestas plásticas, articulando el dialogo entre los Nuevos medios y los medios convencionales en búsqueda de su propio lenguaje. Su obra se ha expuesto internacionalmente en lugares como el Museo Nacional de San José de Costa Rica en 2012, en la Bienal de arte de Bolivia SIART en 2016 y en espacios institucionales en Colombia como el Centro Colombo Americano en 2017.

Mauricio Combariza

Mauricio artista plástico nacido en Bogotá. Egresado de la Academia de Artes Guerrero en el año 2016. Su trabajo se inclina hacia el tema de la construcción, esa que le ha permitido construir su casa. Con conocimientos en albañilería y cursos hechos en el Sena se apropio de elementos y materiales propios del oficio de la construcción para ligarlos y usarlos en el lenguaje del arte. Su obra deja ver su posición desde el maestro “ruso”, su vida y la relación que tiene con los materiales. Busca diálogos entre los dos oficios, arte y construcción, para ello aprovecha materias primas como el cemento,la arena, pigmentos ferro minerales, hierros, alambres etc y su docilidad y propiedades para crear su obra. Las dinámicas de la autoconstrucción y las prácticas que se dan en ese “laboratorio” de la escena del oficio de construir son recursos que también se hacen presentes en su búsqueda; tablas burras, palos,  bultos, varilla y objetos contenidos en el escombro de la construcción. De igual manera conceptos que sugieren la actividad de construir; levantar, pegar, asentar, revocar, pañetar, mezclar, fundir, pigmentar, encofrar etc. son un recurso recurrente.

Finalmente encuentra en el acto de construir una constante que habla de lo que es el como ser que habita esta densidad, como persona que se construye día a día.

Fernando Cuevas Ulitzsch

Fernando Miguel Cuevas Ulitzsch, nace en Bogotá  de  padre chileno y madre alemana. Es Comunicador Social con énfasis en televisión educativa de la Universidad Javeriana, Especialista en Creación Multimedia de la Universidad de Los Andes, Magister en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Colombia y Magister en Creación Literaria de la Universidad Central.

Fernando es desde hace 20 años, un creador, artista y profesional estudioso de las relaciones entre la comunicación y la estética, con énfasis en las posibilidades y capacidades de la Imagen, el dibujo y la palabra, asociadas a su naturaleza digital y/o análoga. Su obra ha sido presentada en más de 16 exposiciones (desde 2003) y cuenta con más de 20 publicaciones en libros y revistas especializadas (desde 1998). Las memorias tienen distintas duraciones, como soplos, sin importar cuántas veces podamos recordarlos ni de qué manera, parecen infinitos en el tiempo interno, pese a su corta extensión en el tiempo externo.

La fotografía, o mejor dicho, la captura visual de un parpadeo, es una de las mejores expresiones de tales instantes.  El dibujo es como el eco de ese parpadeo hecho trazo. Nunca como antes ha cobrado tanta relevancia la presión de la otredad: el otro jefe, el otro familia, el otro pareja, el otro vecino. El otro vigilante, el otro observador.

Paul Guerrero

Paul nació en Bogotá. Maestro en Artes Plásticas, profundización en imagen. Universidad Nacional de Colombia. Contenidos convergentes y publicidad digital. Universidad Politécnico Gran Colombiano.

Nardy Getiva

Nardy Getiva nace en Bogotá, Artista plástica de la Academia Superior de Artes de Bogotá (2006) trabaja en joyería y escultura. Su trabajo escultórico se enfoca en la copia y reproducción de fragmentos del cuerpo humano desnudo a través de los cuales materializa esculturas de escala uno a uno que en la multiplicidad de piezas invitan al espectador a reflexionar sobre la diferencia y la igualdad mediante cuerpos cargados de una expresión única e irrepetible despojada de códigos sociales y culturales.

Marcello Castellani

Castellani nació en Cali. Estudió Diseño Gráfico en la Academia de Dibujo Profesional en Cali y está cursando un Diplomado de Curaduría y Gestión de Proyectos NODE CENTER BERLÍN.es un artista inserto en el afán y la pugna de la vida, haciendo a sus figuras frisar fuera

Sin embargo, tras todo el esfuerzo requerido en destruir la figura, el parecido del modelo y su esencia permanecen, conservados como un recuerdo evanescente de este mundo, que simultáneamente vive y muere, cambia y se desplaza, como todos nosotros.

Evelyn Tovar

Evelyn Tovar, Maestra en Artes Plásticas y Visuales Universidad Distrital Francisco José de Caldas Facultad de artes ASAB Bogotá, Colombia 2007. Sus trabajos más recientes se construyen como ilustraciones de paisajes inscritos en diferentes procesos antropológicos propios de la ciudad que habita, esto como resultado de diferentes recorridos que derivan de una necesidad de entender cómo las prácticas sociales se acomodan a las interacciones en el espacio público, igual que el espacio público se transforma con diferentes interacciones sociales.

 

Le interesa la creación de imágenes y objetos que permitan resignificar situaciones habituales mediante desplazamientos en la manera de ver y reconocer imágenes comunes, como una búsqueda constante de comprender mi entorno inmediato.

La elección del material y la técnica a utilizar, está hecha en función de las necesidades simbólicas de la obra y las relaciones que puede sostener con el contexto en el que se asienta, es así como en la producción de su trabajo ha utilizado materiales como papel moneda, polvo de ladrillo y de carbón, asfalto, concreto y plantas vivas entre otros.

Estey Ducuara

Estey estudió Artes plásticas y visuales Academia Superior de Artes de Bogotá, ASAB. Diseño gráfico Universidad Nuestra Señora de las Mercedes.Ilustración editorial, SENA. Teoría de color, SENA. Diseño de etiquetas y empaques SENA. Dibujo y pintura, taller de arte la Manzarda.

Edgar Jiménez

Edgar estudió en Santiago de Cali en el instituto departamental de bellas artes, antiguo conservatorio de música, antiguo incolballet. Su primer acercamiento a las artes plásticas fue a través del cine, este le brindo las herramientas para aprender a mirar el mundo de diferente manera, es decir poder quitarse el velo de los ojos y ver un mundo en constante cambio, no polarizado, un mundo que lega sus tesoros y sus algoritmos para el que esté interesado. Borges le marco un derrotero y le hizo creer en la imaginación. De ahí vino el declive, abandonó la ingería por allá en el año 2002 entusiasmado por la epopeya de estudiar arte. La pintura siempre fue una hoja de ruta en su formación y ya desde el primer semestre comenzaba pintar. En Cali asistía con entusiasmo a los cineclubes locales y a las clases del Maestro José Horacio Martínez quien lo envolvió en el mundo de la pintura abstracta. Después de Graduarse en artes en el año 2012 se vino para Bogotá donde fue asistente del artista Alex Rodríguez.

En el 2014 dando un vuelco a su manera de pintar (paso de la abstracción a la figuración, de una paleta abierta a la cromación del blanco y negro) presento Blaxploitation una serie de pinturas basadas en fotogramas de cine afro y el cartel cinematográfico.

Su obra Involucra elementos propios del arte pop, como el cotidiano( las revista, los periódicos y los comics) la contracultura, la publicidad y temáticas de archivo, tanto digital como de pulguero.

Angélica Chavarro

Maestra en Artes Plásticas, realizó la especialización en Educación Artística Integral (Universidad Nacional de Colombia 2011) motivada por su experiencia e intereses pedagógicos. Su trabajo artístico se estructura a través de series, producidas en contextos y momentos específicos de creación que permiten apreciar el desarrollo de su quehacer artistico. Ha expuesto en muestras individuales y colectivas en Colombia y Brasil. De los estudios complementarios, el más significativo e inspirador para la producción de sus series más recientes ha sido con Cristóbal Jodorowsky (Metamundo 2014- 2015). A partir del cual   asume el reto creativo de plasmar experiencias de profunda transformación personal transitadas desde la psicomagia, el tarot y la genealogía. Paralelamente su trayectoria ha estado vinculada a proyectos de Investigación Creación afianzando su reflexión alrededor de la experiencia docente y el lugar del arte en procesos formativos.

Natalia Mendieta

Diseñadora Textil de la Universidad de Los Andes y Maestra de Artes Plásticas, Universidad de Los Andes.Ganadora de una Beca Fullbright y un M Curtis Fellowship para adquirir su titulo de Master of Fine Arts del Savannah College of Fine Arts, Savannah, Georgia.Antes de regresar a Colombia para continuar con su trabajo profesional en el arte, trabajo  como Asistente de Adquisiciones en el Beinecke Rare Book and Manuscript Library de la Universidad de Yale.

SERGIO ZAPATA

Artista Plástico graduado en el Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali, sus exposiciones Individuales más representativas han sido “Remedio contra el Desagrado” en la Casa Proartes de Cali en 2011, “La Lámpara de Diógenes” en la Galería Bogotá Arte Contemporáneo BAC de Bogotá durante el 2015, así como “Fragmentos de Memoria” en 2017, proyecto que gano una de las Becas de Creación de la Secretaria de Cultura de Cali y “Horizonte de Sucesos”, en el Centro Cultural Colombo Americano de Cali en 2018. Desde el 2005 empezó a mostrar su obra en eventos de Arte independiente; en este mismo año entra a formar parte del Colectivo de Artistas “El Camión” con el cual participo en eventos a nivel local y nacional como el 41 Salón Nacional de Artistas en Cali en 2008, el Encuentro de Prácticas Artísticas Contemporáneas MDE07 en Medellín, así como una intervención no oficial en la IX Bienal de Arte de Bogotá de 2006; Ha participado en exposiciones colectivas en la ciudad de Bogotá con diferentes espacios como la Biblioteca Luis Ángel Arango en el marco de la exposición Imagen Regional VI, así como en la Galería El Museo, la Cometa, la BAC Gallery Bogotá Arte Contemporáneo. Su incursión en las ferias Internacionales de Arte se dio en 2017 participando en ARTMED 2017 en el stand de Poliedro Arts, así como en La Feria de Arte y Cultura Barcú en el stand de la Galería DC Arte, con quien participó también en la Feria Internacional PINTA Miami.

CATALINA ORTIZ

Estudió psicología y artes plásticas  en la Universidad de los Andes en Bogotá. En 1998 realiza “Sin Título”, dibujos bordados donde revisa el impacto psicológico de la moda. Entre 1999 y 2005 trabaja como productora fotografica y alterna su trabajo editorial, colaborando en un centro femenino de rehabilitación de prostitución y drogadicción. En 2006 presenta “De haceres y Deberes” ensamblajes cuya temática es intimista. En 2008 realiza “Objeto Delator”. Dibujos de fetiches de amigos, familiares. Posteriormente trabaja en “Los Abecedarios Emocionales”, usando recortes de revistas como partida, para dibujar estados emocionales del individuo. Una de estas series es finalista en el Premio ABC del dibujo en Just Madrid´11. En 2008 hace un recorrido fotográfico por hogares geriátricos en Bogotá y el tríptico “Deposito” es finalista en el Concurso Colsanitas de Arte joven. Luego en 2010 expone “Nidos Literarios”  en ArtBO, una propuesta que presenta nidos para pájaros hechos con las páginas recortadas de las diferentes novelas que la artista ha ido leyendo a través de los años, con la consigna de que cada nido, es como un nudo y en ese sentido tiene una conexión con la estructura literaria. En 2013 y 2014 realiza la obra ¨Los Diarios de I Ching”. Exploración plástica y ontológica del texto antiguo chino.  Luego, en 2016 expone una muestra individual titulada “Sueños Rotos” en La Galería El Museo en Bogotá; a través de la cual reflexiona sobre temas psicológicos  y desarrolla una propuesta de formato grande llevando el dibujo hacia una dimensión de mayor tamaño.  Posteriormente comienza a trabajar en el Proyecto “Pájaros sin Cielo”; una obra de proceso que se caracteriza por un período largo de trabajo de campo en donde plantea como tema central la relación simbiótica entre las palomas y los fotógrafos de La Plaza de Bolivar en Bogota, que da como resultado un claro ejemplo de sustentabilidad. Ha expuesto en diferentes ferias en América Latina y Europa. Su obra se encuentra en varias colecciones privadas alrededor del mundo.

MARIO SALAZAR

Estudió dibujo y pintura 2 años en el taller de Ana Kerpel. Luego ingresó a la Universidad Nacional (1996 – 2002). Su trabajo parte de fotografías que al ser representadas pictóricamente resaltan el valor de la línea y los planos generando efectos de profundidad y espacialidad por medio de contrastes. Por lo general representa espacios arquitectónicos interiores, pisos, techos, vigas, puertas. Otro modelo de representación constante es lo que se podría apreciar de una ventana mirando desde adentro. El trabajo podría clasificarse como abstracto por el manejo de formas básicas como la línea y la geometría, y figurativo ya que es una representación fotográfica.

BAIRO MARTÍNEZ

Maestro en Artes Plásticas con especialidad en pintura y doctorado de la Universidad Complutense de Madrid. Su obra se ha expuesto a nivel nacional e internacional. Varios de sus proyectos artísticos han sido seleccionados, premiados y distinguidos en distintos eventos nacionales e internacionales. Con su trabajo busca fundamentalmente, “donar” al espectador una manera distinta de ver el mundo, distante a la realidad que se muestra con la multiplicidad de imágenes que irrumpen de manera abrupta en el diario acontecer. Procura ante todo hacer una deconstrucción de la realidad inmediata para adentrarse en la construcción de unos nuevos paradigmas a través de los cuales se aproxima a la construcción de un lenguaje artístico. Se considera un artista polifacético y experimental, no convencional, pues acude a todo tipo de recursos para la formalización de la obra, que puede llegar a convertirse, según el proyecto, en objeto escultórico, en instalación, en fotografía, en pintura, etc. todo ello con un alto grado de experimentación e innovación en cuanto a materiales se refiere, lo que me permite estar en una búsqueda permanente de insumos conceptuales y materiales.

PABLO GUZMÁN

Maestro en Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia. Sus obras se valen del realismo pictórico para plantear preguntas sobre el lugar, el contexto y la vida de las imágenes, propiciando una mirada detenida sobre ciertos elementos urbanos, aparentemente triviales, del transcurrir cotidiano.

Su trabajo ha sido exhibido en muestras colectivas e individuales en Colombia, Panamá, Venezuela, España, China, Korea y Singapur. Hace parte de colecciones públicas como Suramericana de Seguros y el Museo de Antioquia.

JESÚS CATAÑO

Estudió artes plásticas con énfasis en pintura en el Instituto de Bellas Artes de Medellín - Antioquia. Ha recibido premios: Primer puesto en el Salón departamental de Antioquía, 2006; segundo puesto Salón Central de Artistas Medellín, 2004. Reconocimientos: Estuvo en una residencia artística en el país de Irlanda en el 2008. Ha expuesto internacionalmente en galerías de arte y festivales de arte internacionales. A nivel local ha participado en exposiciones en varias ciudades de Colombia y en ferias de arte como la Feria del Millón Bogotá, 2016, Feria Internacional de Arte ArtMed, 2017, Feria Internacional de Arte Barcú Bogotá, 2017. Sus obras están representadas en algunas colecciones privadas.

PIEDAD TARAZONA

Artista plástica y Publicista bogotana, nacida en 1974. Estudió Publicidad y Logística Comercial en la Universidad Jorge Tadeo Lozano,  Dibujo Experimental en Cooperartes, Historia del Arte, manejo del yeso y la fibra de vidrio, y Artes Plásticas en el Taller de arte del maestro Augusto Ardila, y Teoría del Color en la Universidad Nacional de Colombia. Exposiciones Individuales: 2005 Centro Cultural del Convenio Andrés Bello, Bogotá; 2006 Centro Cultural de la Embajada de Venezuela, Bogotá; 2006 Galería Casa Cuadrada, Bogotá. Exposiciones Colectivas: 1996 Cooperartes; 2005 Galería La Pared, Bogotá.

COLECTIVA ESCULTURA CONTEMPORÁNEA

Las obras de Ceci Arango, Ricardo Cárdenas, Consuelo Gómez, Claudia Hakim y León Trujillo conforman una exposición que ofrece una clara visión de algunos de los valores más definitorios de la escultura contemporánea. Cada uno de ellos trabaja con propósitos diferentes y a partir de premisas particulares, pero el conjunto de sus obras permite comprobar cómo, el readymade, el arte procesual y el conceptualismo, para mencionar solo algunos de los movimientos que se opusieron a los argumentos tradicionales de la escultura, han influenciado su desarrollo y han permitido a los artistas posteriores reinventar una modalidad artística casi desaparecida en las nuevas generaciones del país. 

 

Todos los artistas de la muestra crean formas y armonizan volúmenes en el espacio, como es tradicional en la escultura, pero sus obras se desenvuelven a través de una serie de prácticas que van: de lo encontrado a lo elaborado, de lo tejido a lo yuxtapuesto y de lo construido a lo reproducido o a lo impreso, permitiendo vislumbrar el inconmensurable campo de acción que se ha abierto para la escultura gracias a las impugnaciones que se le han hecho en los últimos tiempos.

 

Aunque para los cinco artistas el oficio es importante como es importante su compromiso con el poder del objeto singular, sus obras son una clara demostración de que los escultores contemporáneos han sabido aprovechar los experimentos del siglo XX para introducir nuevos conceptos y nuevas metodologías que han transformado y ensanchado las posibilidades del arte tridimensional en el siglo XXI.

 

Eduardo Serrano

Colectiva "Representaciones Geometricas"

Las obras de Ceci Arango, Ricardo Cárdenas, Consuelo Gómez, Claudia Hakim y León Trujillo conforman una exposición que ofrece una clara visión de algunos de los valores más definitorios de la escultura contemporánea. Cada uno de ellos trabaja con propósitos diferentes y a partir de premisas particulares, pero el conjunto de sus obras permite comprobar cómo, el readymade, el arte procesual y el conceptualismo, para mencionar solo algunos de los movimientos que se opusieron a los argumentos tradicionales de la escultura, han influenciado su desarrollo y han permitido a los artistas posteriores reinventar una modalidad artística casi desaparecida en las nuevas generaciones del país. 

 

Todos los artistas de la muestra crean formas y armonizan volúmenes en el espacio, como es tradicional en la escultura, pero sus obras se desenvuelven a través de una serie de prácticas que van: de lo encontrado a lo elaborado, de lo tejido a lo yuxtapuesto y de lo construido a lo reproducido o a lo impreso, permitiendo vislumbrar el inconmensurable campo de acción que se ha abierto para la escultura gracias a las impugnaciones que se le han hecho en los últimos tiempos.

 

Aunque para los cinco artistas el oficio es importante como es importante su compromiso con el poder del objeto singular, sus obras son una clara demostración de que los escultores contemporáneos han sabido aprovechar los experimentos del siglo XX para introducir nuevos conceptos y nuevas metodologías que han transformado y ensanchado las posibilidades del arte tridimensional en el siglo XXI.

 

Eduardo Serrano

JIM AMARAL

Simultáneamente con sus esculturas de gran aliento producidas en fuertes bronces con refinadas pátinas, Jim Amaral ha producido trabajos más cercanos al concepto “objeto”, puesto que en su mayoría cumplen o sugieren una función utilitaria. Algunos resultan de la combinación de elementos ya fabricados, otros mezclan este tipo de elementos con partes trabajadas por el artista y otros son enteramente elaborados por él. Todos, sin embargo, hacen gala de esa afinada imaginación que nutre su trabajo y de ese habitual sentido del humor entre franco y mordaz que pareciera desentenderse de la carga humanista y grave que caracteriza el resto de su obra tridimensional.

Las combinaciones de elementos sin ninguna relación entre sí provocan los más deleitables señalamientos poéticos y las más inesperadas sugerencias. Aunque cada uno de los elementos sigue haciendo reconocible su cometido original, en su conjunción y en su resignificación permiten percibir la aguda visión del artista para reconocer secretas relaciones entre las cosas, así como el exquisito sentido del diseño que permea todo su trabajo, incluidos sus dibujos y pinturas. La fantasía es el hilo conductor en la realización de estos objetos, los cuales reiteran, desde una perspectiva diferente, el talante versátil y audaz de la producción creativa de Jim Amaral

 

 

Eduardo Serrano 

COLECTIVA JOYERÍA Y ORNAMENTACIÓN

Recientemente, el ritual ha sido definido como una estrategia cultural del actuar frente al mundo. Es una ventana a las dinámicas socio-culturales a través de las cuales las personas construyen sus espacios. El ritual es una acción, y por lo tanto, una actividad que se ha distanciado de un proceso intelectual definido. Se ha entendido muchas veces como una acción que se hace sin pensar—rutinaria, habitual, obsesiva o mimética— y por lo tanto puramente formal o secundaria: una mera expresión física de ideas lógicas. Sin embargo, es una actividad que perdura y que más recientemente se ha entendido como una dinámica fundamental de la cultura. Lo ritual sacraliza cosas, personas y eventos.  

Es a partir de esta última noción de la cual partimos para explorar la relación entre las prácticas rituales y el traspaso de estas acciones cargadas de significados a objetos que característicamente han sido parte fundamental de estas actividades: las joyas y la ornamentación corporal. Históricamente, las joyas pueden ser entendidas como objetos cargados de un alto significado afectivo y simbólico, los cuales se adjudican a través de la cercanía de estos objetos con el cuerpo, de su uso casi personal, y por medio de ceremonias y rituales que incrementan el valor de los objetos.

 

Los diseñadores invitados a participar en esta muestra han aceptado el reto de explorar aquello que denominamos lo ritual, a través de la expresión plástica de una joya.  Cada diseñador ha sido libre en encontrar el ángulo mediante el cual hacer el desarrollo conceptual de sus piezas y reflexionar alrededor de ésta noción: ¿Qué significa adjudicar a un objeto valores simbólicos que transcienden lo puramente material? ¿Cómo se trasladan las prácticas rituales en ornamentos corporales?La exposición está dividida en cuatro ejes conceptuales que se desarrollaron a partir de las propuestas de los diseñadores. Los trabajos de Aysha Bilgrami y Natalia Criado emergieron a partir de una reflexión en torno a la memoria con un particular énfasis en la herencia. Las propuestas de Lucía Moure y Carolina Vélez (Oropéndola) se centran en la creación de objetos protectores que actúan como talismanes protectores o dadores de fuerza. Los proyectos de Daniel Matiz, Eliana Zuluaga, y Javier Durango enfatizan en el aspecto ritual que existe en las interacciones humanas ya sean sociales o personales como por ejemplo en el juego, el cortejo, el amor o incluso en la complacencia excesiva del yo. Finalmente, los trabajos de Simón Mazuera, Anett León, Paula Estrada y Nuria Carulla reflexionan sobre la ritualización de la vida misma y la cotidianidad. 

TERESA CURREA

La joven artista Teresa Currea Moncaleano, graduada en Bellas Artes en la Universidad Nacional de Colombia, presenta la muestra titulada "Naturalezas Antónimas". Esta muestra se inaugura en el marco de ARTBO | Fin de Semana.

"Un recorrido por diferentes universos que parecieran distantes y sin relación pero que gracias al poder del dibujo se juntan o se hacen uno". Así se refiere la pintora y artista visual, sobre la exposición.

Esta exposición no solo exalta los opuestos en los elementos dibujados, sino también en la técnica: lápiz y tinta, y en la materia: papel y vidrio o cerámica. 

 

"Cada una de las piezas que compone esta muestra, es un pequeño universo de contrastes, inspirados sobre todo en la inquietante y fascinante reunión de la naturaleza y el artefacto, como antónimos perfectos que se entrelazan en diferentes escenarios, estimulando nuestra capacidad de imaginar y conectar, de creer posibles acertijos de la poética".

 

Ya decía el filósofo francés, teórico social e historiador de ideas Michel Foucault: “Por lo demás, no se trata de la extravagancia de los encuentros insólitos. Sabemos lo que hay de desconcertante en la proximidad de los extremos o sencillamente, en la cercanía súbita de cosas sin relación”.

La artista celebra 10 años de carrera profesional, además de mostrar al público una forma más de exaltar los opuestos de los elementos dibujados,  deja entrever en cada una de sus obras la madurez  en el trabajo de las piezas con cada una de las técnicas empleadas.

Es así como el lápiz y la tinta, el papel, el vidrio y la misma cerámica tienen el toque especial de Teresa Currea, quien por años ha venido perfeccionando su manera de trabajar.     

PABLO GUZMÁN

Pablo Guzmán nació en San Agustín, Huila, estudió arte en la Universidad de Antioquia, y su obra figura en importantes colecciones como las del Museo de Antioquia y Suramericana de Seguros en Medellín. Sobre su exposición en la galería Aurora ha escrito Eduardo Serrano:

“La pintura de Pablo Guzmán plantea una paradoja visual puesto que incluye simultáneamente conceptos pertinentes al realismo y la abstracción, y una paradoja intelectual puesto que entraña nociones que pueden atribuirse paralelamente al historicismo y la contemporaneidad. 

Su trabajo es pictórico y representacional, lo que se ha convertido en un verdadero anatema para los críticos y artistas que todavía funcionan con el imperativo modernista del vanguardismo. Pero su realismo no sólo dista enfáticamente del realismo pictórico que imperaba antes de la aparición de la fotografía, puesto que su objetivo no es la representación minuciosa de la realidad que condujo al trompe l´oeil, sino que, por el contrario, su realismo parte de fotografías, aunque sin que su propósito sea tampoco la reproducción precisa de la imagen de la cámara, como en el hiperrealismo.

JANSEL FIGUEROA

Jansel Figueroa, nació en Barrancabermeja, artista de la Universidad de Antioquia. Ha participado en diferentes exposiciones colectivas a nivel nacional, expuso en Maca, y en el Taller de Artes Gráficas Pregón de Medellín.

Su obra suscita reflexiones acerca del entorno que le ha correspondido al ser humano contemporáneo, al respecto de lo cual ha escrito el artista que busca “modificar la pintura de paisajes, reformular su formato y contenido acercándolo a los elementos básicos de la configuración de una imagen idealizada y aprovechando acciones ejercidas sobre lo natural como podar, recortar cubrir, construir y fraccionar y resultando en una visión a medio camino entre lo real y lo ideal”.

PALOMA CASTELLO

Paloma Castello nació en Bogotá, es Maestra en Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Realizó estudios de Platería y Madera en La Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo y en Técnicas de Reproducción Seriada de la Universidad de Los Andes. Ha participado en diferentes exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional, expuso en la última versión del Salón de la Justicia en Artecámara Kennedy, en La Casa de América en España, en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, y en El  Salón de Artistas jóvenes en Tokio.

Su obra plástica se ha enfocado principalmente en recrear una narrativa distinta del pasado a través de diferentes objetos. Le interesa jugar con la memoria y relacionarla con el presente generando una atmósfera entre lo real y lo ficticio, en la que ella se involucra por medio de la autoficción. A través de su trabajo trata de dar vida a materiales que tuvieron vigencia en otras épocas y crear un juego de reinterpretaciones.

Castello creció en un ambiente matriarcal donde surgió una sublimada imagen del glamour y gran fascinación por la edad dorada de Hollywood, asimismo, la seducción por la imagen de las divas de la época fueron parte fundamental de su educación sentimental.

 

MÓNICA NARANJO URIBE

Durante algo más de diez años de carrera artística Mónica Naranjo ha residido en varias ciudades de Colombia y de Europa y ha viajado por otras más con el objetivo de conocer diferentes comportamientos ambientales y humanos. Por la misma razón, a pesar de que la exploración de la artista es de orden fundamentalmente natural, algunas de sus imágenes emblemáticas se relacionan con su condición de habitante en ciudades como Londres o Berlín.  Enriquece entonces confrontar la obra que la artista ha realizado en urbes con la que ha dedicado a paisajes ligados a climas diversos, en la medida en que de esta manera se comprende la continuidad o constancia del valor atmosférico en sus trabajos. En la atmósfera, en lo aéreo e indefinido la artista reconoce el estado primordial de la naturaleza. Las ciudades de Mónica Naranjo a pesar de estar pobladas están vacías porque están inundadas de atmósfera. Fría o cálida esta atmósfera hace sentir que tiene un peso, que ocupa el espacio, que es lo fundamental en él y que, en esa medida, el vacío es intensa actividad invisible que en algún momento hace lo visible.

 

En muchos sentidos la obra de esta artista revela que el mundo que se presiente conocido a través de multiplicidad de imágenes que invaden la cotidianeidad no lo es tanto. Los habitantes en los más diversos espacios se advierten ajenos hacia otros y su extrañeza se extiende al lugar que ocupan en el mundo natural. En lo esencial del mundo natural la artista descubre también que hay demasiados misterios en lo visible y en lo invisible, los cuales, la vista corta, habituada a lo inmediato, jamás podría reconocer.

 

El mundo está superpoblado, y la supervivencia en esas condiciones implica competencia y velocidad, comportamientos contrarios a la mirada detenida y penetrante que exige el entendimiento de la complejidad que está detrás de cada gesto o detalle.  Por lo mismo, los recorridos que ha hecho Mónica Naranjo suponen extensas caminatas, espacios de residencia y contemplación. Ellos son lo opuesto de los viajes documentales informativos que condensan y adelgazan la información para la lectura del común. Las obras de Mónica Naranjo revelan sus contenidos y la infinidad de conexiones que descubren en la medida en que se ingresa con delicadeza e inteligencia en ellas.

Aunque Mónica Naranjo es mayormente conocida como dibujante también es fotógrafa e ilustradora, formación que le ha dado destreza en oficios pictóricos y en el desempeño digital, cuestiones que permiten comprender las fusiones técnicas recurrentes en el proyecto de la artista.

Aníbal Vallejo

Aníbal Vallejo estudió artes visuales y diseño de modas en la Universidad de Antioquia y en la Colegiatura de Medellín respectivamente, formaciones que le han aportado maneras diversas de comprender y de expresar la imagen, las cuales encuentra y cruza en forma sintética y con un claro talento para el manejo del color y del espacio. A ello, es necesario sumar una relación natural con la literatura y con la generación de universos que le confiere al artista el hecho de pertenecer a una familia de escritores. Y este hecho mueve a comunicar el trabajo abstracto que ha realizado el artista en años recientes con el de carácter más figurativo que desarrolló en otros momentos de su carrera.

 

Las arquitecturas que surgen de las composiciones de Aníbal Vallejo tienen conexiones íntimas con formas comunes de la vida cotidiana, entre las que se encuentran cientos de construcciones utilitarias y de armonías ornamentales que se despliegan para él sobre todo desde el mundo textil, observado en los contextos rutinarios y también, en el inmenso despliegue que a ese respecto hace la historia del arte.

 

La atención en este tipo de detalles le ha dado al artista una educación y una fortaleza especial, bastante apreciable en días actuales, en los que son pocos los creadores de imagen que aprecian y conocen el exigente mundo del color y el de la gracia del movimiento, tan apreciado por las artes decorativas. Fue precisamente el encantamiento con ese universo el que animó a un artista como Matisse a perderse en la infinitas posibilidades del color y de las formas atractivas del mundo inmediato, mientras se alejaba de los rigores y restricciones intelectuales de la academia de bellas artes.

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