Aníbal Vallejo "El espacio pictórico " y Fidel Álvarez"Aflora"

Inauguración:  22 de agosto 6:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 27 de septiembre de 2019

Vallejo  se centra en la exploración abstracta de los fundamentos de la pintura: color, forma, composición, gesto y superficie. A través de una combinación de intuición y reflexión las obras exploran la relación existente entre la superficie y la aplicación de la pintura. Los diversos planos, manchas y las veladuras sugieren el espacio pictórico que no se limita exclusivamente a la tela sino que al ser aplicado en las paredes proponen una extensión de las mismas. Las formas, los tonos y el dibujo en hilo se derivan entre las obras estableciendo una lógica interna y un diálogo constante en el que el espectador es partícipe.

 

Álvarez define el resurgir como una constante esencial de la existencia que yuxtapone la relación fondo –figura en la imagen cotidiana de vendedores informales de flores y los recibos de compra de los supermercados, simultáneamente dos naturalezas económicas distintas: de un lado,  la naturaleza de un aparente desarrollo fundamentado en la comercialización del consumo y por el otro,  la circunstancia más intensa de la existencia: la supervivencia, vender para comer, un espejismo sin conservantes o100% natural que al deshojarse al borde de un paisaje de cemento es contradictoria

Copia de-Kindi Llajtu"Entre la línea y el Color" y John Nomesqui "Más allá de toda reparación"

Inauguración:  04 de julio 6:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 9 de agosto de 2019

Kindi en su trabajo, en el ejercicio de pintar y despintar  asimila a los pasos de un ritual, donde permanentemente busca espacios que lo seduzcan para envolverlos con dibujos, trazos, símbolos y que durante el proceso pueden mantenerse, transformarse o desaparecer, para dar paso a una nueva imagen que poco o nada tiene que ver con la anterior. Busca huellas que refresquen la memoria, que lo acerquen al inconsciente.

 

Nomesqui nos pone en la fusión entre natura y cultura. En esta exposición, su obra se basa en los muñones de árboles, que siguen o prolongan su vida, camino a su sequedad; pero su intervención con los entorchados son cuerdas o hilos que cubren con sucesivas capas otras capas, que emulan la plata y el oro, que conjuga colores naturales con los labrados o los cultivados plásticamente; con orificios que abren el misterio de lo oculto. Allí la trama no sólo es textura, sino evocación de los sonidos del bosque que se ha tornado, ahora: luz, color, visibilidad de lo infinito de lo posible con otro hilo de seda o de metal enroscado a su alrededor, como instrumentos musicales y bordados que abren lo inédito de la posibilidad, del sentido, de lo Otro: ahora natura de la que venimos y hacia la cual vamos.

"Periferias Expandidas"

Inauguración:  18 de mayo 3:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 19 de junio de 2019

 

El artista tiene el profundo deseo de ir al fin del mundo, al borde, a espacios que aparentemente son el límite; una barrera, una frontera. Ir a un territorio, a una zona, a un paisaje;  vivir la experiencia de estar allí, contemplando, durando, explorando

Descubrir, conocer, reconocer, experimentar, recorrer; es crear una memoria, un registro; imágenes que funcionan como metáforas transformadoras del paisaje.

Fragmentos en diversas temporalidades que se conjugan en el ensamblaje del video y de la fotografía; trato de registrar lo intangible; una imagen que remite a la poesía o a la cinematografía.

La lluvia, el viento, la luz, la oscuridad y el cuerpo son los medios de escritura en esta expedición.

Una mujer inmersa en espacios deshabitados, solitarios,  recuerda la ausencia de alguien, o tal vez de ella misma; imágenes que parecen ser fragmentos, residuos,  esquirlas.

Un hombre contenido en el tiempo, perdido en el espacio, que va al fin del mundo a encontrarse, o a perderse.

El cuerpo y el paisaje se van transformando a medida que la inmersión en estos lugares es más profunda. El cuerpo es el medio de escritura en la memoria.

Fragmentos que no pretenden concluir nada, tampoco orbitan en ningún centro; varios territorios en líneas temporales diferentes; imágenes poéticas que  muestran un intercambio de materias, texturas, atmósferas, sonidos que fluyen al mismo tiempo.

Procesos de ensamblaje, de multiplicidad y simultaneidad que se expanden a  experimentaciones temporales y hacia una construcción de la memoria colectiva.

Andar por los bordes, las periferias, para preguntarnos o reconocernos o descubrirnos.

"Partitura del Recuerdo"

Inauguración:  28 de marzo. 6:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 3 de mayo de 2019

 

Partitura del recuerdo pone en diálogo la obra de dos artistas bogotanos para los cuales la idea de memoria se desgrana en el paso del tiempo y en la huella del recuerdo. La obra de María Clara Figueroa está enraizada en la cuidad de Bogotá y el transcurso de los cambios que van aconteciendo constantemente a nuestro alrededor. Iván Castiblanco presenta una colección de esculturas y dibujos que se impregnados del lugar de ensoñación desde el cuál están siendo narrados.  María Clara Figueroa parte de fragmentos que invitan al espectador a componer una narrativa mientras que Iván Castiblanco genera una imagen aparentemente uniforme en la que vamos encontrando pistas de pequeñas historias embebidas en la misma. En diálogo hablan de dos formas de capturar el tiempo, por naturaleza incapturable.

"Monoimpresión". Series de Josep Kaplan

January 01, 2020

Inauguración:  06 de enero. 6:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 8 de marzo de 2019

 

Las motivaciones que tienen los artistas para abordar obras gráficas provienen de distintas circunstancias. Algunos prefieren prolongar en sus propuestas la estética de obras pictóricas, escultóricas, dibujísticas, fotográficas e incluso videísticas y del performance e instalaciones. La obra gráfica como prolongación de una idea madurada en otra disciplina. Pero también existe un sector de creadores que se concentra en las artes gráficas y que han convertido este ejercicio en un fin en sí mismo. La obra impresa como motivación única y centro modular de producción.

Joseph Kaplan se sitúa en este segundo grupo. Solo que las imágenes que produce son el resultado de un proceso donde telas previamente impresas y propuestas por distintos diseñadores textiles actúan como materia prima para sus collages. También obedecen a composiciones particulares y son sometidas a intervenciones de múltiples cortes y dibujo. Siempre acudiendo y asumiendo una voluntad experimental para provocar resultados inesperados desde el punto de vista composicional y cromático.

"Versiones" de Mario Salazar

January 01, 2020

Inauguración:  21 de noviembre. 6:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 21 de diciembre de 2018

 

El paisaje urbano compuesto por las vigas, las columnas, los pisos, las paredes, entre otros, son elementos recurrentes a lo largo de su trabajo pictórico, cada imagen es una versión de esto. Al contrastar diversas imágenes se completa mejor la idea y el efecto visual de elementos que tienden a reducirse a planos y líneas, cada vez más crudos y abstractos pero que no abandonan la representación.

Inauguración:  17 de octubre, 6:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 16 de noviembre de 2018

 

La exposición “Con sumo cuidado”, Nomesqui presenta en conjunto, las piezas escultóricas que ha venido desarrollando desde el año 2016, en ellas, el tejido de hilazas hechas de papel reutilizado y residuos, completa a manera de prótesis la forma de robustos troncos. Los fragmentos de árbol cercenados, promueven la acción de tejer, orientando su sentido hacia una labor fraternal, filial entre hombre y naturaleza. Lo que podría evocar un bosque configurado por la memoria, a la vez, se abre como intervalo poético, como esa zona antigua y profunda visitada por el poeta,  el lugar dónde las cosas no tienen nombre y que según María Zambrano: “(…) el poeta en la imposibilidad de nombrar esas cosas, tiene como único recurso: acompañarlas y amarlas”.

Inauguración:  17 de octubre, 6:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 16 de noviembre de 2018

 

Tropicarios de Paloma Castello invita a experimentar un espacio en el que la ficción y los recuerdos del trópico se mezclan para propiciar un acercamiento íntimo entre nuestras propias ficciones y las de la artista.
Retomando a Rancière: «Esta archi-semejanza es la alteridad que nuestros contemporáneos reivindican a favor de la imagen, o bien lamentan que se haya desvanecido junto con ella». Lo cual ratifica que en el caso de la fotografía de Castello no cabe la posibilidad de decepción ni habrá de qué lamentarse.
Carolina

Inauguración:  25 de julio de 2018, 6:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 24 de agostode 2018

 

Esta exposición colectiva presenta la obra de 16 artistas que trabajan en el antiguo Edificio Child pero cuyo colectivo ha adoptado el nombre de Proyecto Faenza por estar éste ubicado al frente del Teatro Faenza, en la calle 22. Sus procesos creativos, totalmente disimiles unos de otros, demuestran como en un mismo lugar  pueden dialogar  y convivir, sin que por ello se afecte a los mismos procesos, en sus diversas técnicas, ni a la estética del espacio.

Es importante destacar también como las  plataformas creadas para la exhibición de arte pueden brindar posibilidades, para que colectivos como el Proyecto Faenza, se unan en esfuerzos que permitan acercar  al público al arte y al artista, de manera sencilla y amable, sin generar conflicto como de pronto se podría pensar entre estudios y galerías.

Exploraciones creativas son justamente las que están realizando los artistas invitados con las obras exhibidas: Otoniel Borda, Jorge Magyaroff, William Bahos, Vicenta Gómez, Marcello Castellani, Mauricio Combariza, Fernando Cuevas, Estey Ducuara, Angélica Chavarro, Fredy Forero, Sonia Gaitán, Nardy Getiva, Leonardo Guayan, Paul Guerrero, Edgar Jiménez y Evelyn Tovar

Inauguración:  19 de mayo de 2018, 4:00 a 8:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 22 de junio de 2018

 

Las imágenes de estructuras arquitectónicas en ruinas son el punto de partida para el Proyecto titulado “Fragmentos de Memoria”, dichas estructuras funcionan como una extensión del deterioro y la decadencia cultural de una sociedad.

Este proyecto busca entablar un dialogo entre el individuo y el espacio arquitectónico en que habita. A partir de un ejercicio de memoria y recuerdo se va construyendo constantemente nuestro imaginario social y se van planteando nuevos puntos de partida para relacionarnos con nuestro entorno.

Las estructuras representadas son anónimas, sin hacer señalamientos directos de una u otra edificación, sino utilizando estas imágenes para hablar de las ruinas generales en términos estéticos, resaltando la diferencia entre la percepción funcional de una estructura y la percepción estética de la misma.

Este proyecto parte de la exploración con materiales encontrados en el entorno, que de alguna manera proceden del espacio arquitectónico, como los trozos de pintura que se desprenden de las paredes por la humedad, la madera derruida, las láminas de metal oxidadas entre otros elementos.

El proceso de creación es muy cercano al dibujo, pues el soporte principal para la realización de las piezas es el papel, aunque el concepto de dibujo también es confrontado al utilizar diferentes elementos en su elaboración.

Inauguración:  19 de mayo de 2018, 4:00 a 8:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 22 de junio de 2018

 

Encontró estos Pájaros por azar. El 24 de marzo de 2015 caminaba por el centro de Bogotá y cruzó la Plaza de Bolívar por pura casualidad.   Vale la pena subrayar,  que este lugar,  es un ícono urbano y posee múltiples significados.  Le causó curiosidad ver a los fotógrafos callejeros,  llenándole las manos de maíz a los turistas;  para luego animarlos a abrir los brazos como si fueran espantapájaros y tomarles fotos enmarcadas por los edificios institucionales -Era una escena surreal-.  Pero más allá de la reflexión que podría suscitar esta práctica fotográfica particular; lo que realmente le interesó, fueron las palomas mismas; así que decidío empezar a visitar La Plaza de manera regular.  Quería trabajar con las palomas así que solicitó el permiso a las entidades que creí competentes. Según El ANLA no necesitaba autorización formal para trabajar con las palomas, pues son una especie invasora y no hay ninguna regulación para su manejo y manipulación. La paloma (o Columba Livia) es una ave que no migra,   solo vuela al lugar donde está su nido y su vida puede llegar a prolongarse hasta por siete años; se establecen con una única pareja y por lo general ponen solo dos huevos.

 

A través de sus visitas, no sólo tuvo contacto con las palomas;  también conoció a algunos de los fotógrafos, a  las maiceras, a los vendedores ambulantes, a las personas que “piden limosna” de manera formal y a algunos  habitantes de la calle. Todos ellos se han establecido de manera permanente en La Plaza. Los fotógrafos ganan su sustento económico gracias a las instantáneas que toman de los turistas junto a las palomas, las palomas se alimentan gracias al maíz que les dan los fotógrafos y las maiceras viven del maíz que le venden a los fotógrafos. Los vendedores ambulantes viven de venderle refrigerios a todos los demás; mientras que los habitantes de la calle, y las personas que piden limosna de oficio,  viven del dinero que les dan los transeúntes y turistas al pasar.  Cuando comprendió  el sistema simbiótico que impera en La Plaza, decidió  que lo mejor sería involucrarse con ese entorno.  Así conoció a José y luego a Erika; ellos trabajaron con ella en equipo marcando  las palomas y haciendo el registro fotográfico. José es fotógrafo,  hijo de otro de los fotógrafos de La Plaza, su mamá y su esposa Erika son maiceras. Sus papas han trabajado toda su vida en La Plaza . Las coincidencias son impresionantes. Las palomas por su lado, nunca van a emigrar, se establecen con su pareja y allí se quedan.  Luego el ciclo lo replican sus crías.  La Plaza de Bolívar es el mejor ejemplo de algo que en biología se conoce como Mutualismo. En un ambiente determinado conviven varias especies y se colaboran indirectamente para beneficiarse unas de otras y no sólo coexisten varias especies sino que se ayudan.  Las especies se perpetua a través de nuevas generaciones…Es todo un ejemplo de  sustentabilidad.

Inauguración:  19 de mayo de 2018,

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 23 de junio de 2018

 

El título que ha dado a esta nueva serie de pinturas y dibujos en las cuales organiza, descompone y reorganiza formas de la naturaleza, que transparentes y lineales aparecen en la superficie creando una especie de retícula, un tejido, una secuencia de ritmos que encuentra la forma de entrelazarse. En la acción de deshojar flores, descomponer semillas, enlazar raíces, deshacer un nudo, alinear un tallo, es ahí, donde los patrones de repetición y variación aparecen. Ciclos, líneas contínuas, acciones que se repiten una y otra y otra vez.  Como en la naturaleza misma.

Inauguración:  4 de abril de 2018, 6:00 a 9:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 4 de mayo de 2018

 

Las ideas de representación y arte geométrico se han considerado tradicionalmente como modalidades artísticas opuestas, prácticamente incompatibles. La representación corresponde a un arte descriptivo de personas, cosas o lugares, es decir, a obras de arte con un sujeto reconocible el cual puede aparecer de manera realista o distorsionada, pero siempre identificable. El arte geométrico, en cambio, no toma por lo regular al mundo real como modelo, sino que es generalmente una concepción abstracta basada en el uso de formas geométricas simples combinadas en composiciones subjetivas sobre espacios irreales

No obstante estas claras diferencias, ha habido artistas que se han interesado en combinar las dos modalidades con resultados por demás sugestivos y particulares como es el caso de Jesús Cataño, Pablo Guzmán, Bairo Martínez y Mario Salazar, los artistas que participan en esta exposición de la galería Aurora  y quienes a partir de líneas rectas y curvas, triángulos y rectángulos, logran sugerir y representar elementos de la vida real poniendo de relieve una gran capacidad de inventiva y una férrea disciplina en el manejo preciso, tanto de sus ideas, como de sus materiales.

Las obras de los cuatro artistas revelan una clara percepción de las ideas que nutren el arte contemporáneo y plasman aproximaciones a temas en los cuales la concepción geométrica, lejos de contradecir, clarifica el carácter de las representaciones.

Eduardo Serrano

Curador

Inauguración:  29 de noviembre, 6:00 a 9:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 28 de diciembre

 

Cada una de las obras que componen esta muestra es una alegoría a mí condición de mujer, a mí feminidad. En la naturaleza, específicamente en las flores, encuentro una similitud con respecto a las estructuras, a las funciones y a los ciclos, a la vitalidad y a la belleza.

 

El color, las formas, el contraste, la fuerza, la alegría, el dolor, son elementos  que se hacen recurrentes en mis  pinturas de manera evidente.

 

A través de mi obra, soy consciente de mí papel en la sociedad y me solidarizo con otras mujeres alrededor del mundo que al igual que yo, enfrentan su realidad y su entorno con una actitud vibrante y creativa.

 

Piedad Tarazona.

Inauguración:  11 de octubre, 6:00 a 9:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 23 de noviembre

 

Las obras de Ceci Arango, Ricardo Cárdenas, Consuelo Gómez, Claudia Hakim y León Trujillo conforman una exposición que ofrece una clara visión de algunos de los valores más definitorios de la escultura contemporánea. Cada uno de ellos trabaja con propósitos diferentes y a partir de premisas particulares, pero el conjunto de sus obras permite comprobar cómo, el readymade, el arte procesual y el conceptualismo, para mencionar solo algunos de los movimientos que se opusieron a los argumentos tradicionales de la escultura, han influenciado su desarrollo y han permitido a los artistas posteriores reinventar una modalidad artística casi desaparecida en las nuevas generaciones del país. 

 

Todos los artistas de la muestra crean formas y armonizan volúmenes en el espacio, como es tradicional en la escultura, pero sus obras se desenvuelven a través de una serie de prácticas que van: de lo encontrado a lo elaborado, de lo tejido a lo yuxtapuesto y de lo construido a lo reproducido o a lo impreso, permitiendo vislumbrar el inconmensurable campo de acción que se ha abierto para la escultura gracias a las impugnaciones que se le han hecho en los últimos tiempos.

 

Aunque para los cinco artistas el oficio es importante como es importante su compromiso con el poder del objeto singular, sus obras son una clara demostración de que los escultores contemporáneos han sabido aprovechar los experimentos del siglo XX para introducir nuevos conceptos y nuevas metodologías que han transformado y ensanchado las posibilidades del arte tridimensional en el siglo XXI.

 

Eduardo Serrano

Inauguración:  30 de agosto, 6:00 a 9:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 7 de octubre

 

Simultáneamente con sus esculturas de gran aliento producidas en fuertes bronces con refinadas pátinas, Jim Amaral ha producido trabajos más cercanos al concepto “objeto”, puesto que en su mayoría cumplen o sugieren una función utilitaria. Algunos resultan de la combinación de elementos ya fabricados, otros mezclan este tipo de elementos con partes trabajadas por el artista y otros son enteramente elaborados por él. Todos, sin embargo, hacen gala de esa afinada imaginación que nutre su trabajo y de ese habitual sentido del humor entre franco y mordaz que pareciera desentenderse de la carga humanista y grave que caracteriza el resto de su obra tridimensional.

Las combinaciones de elementos sin ninguna relación entre sí provocan los más deleitables señalamientos poéticos y las más inesperadas sugerencias. Aunque cada uno de los elementos sigue haciendo reconocible su cometido original, en su conjunción y en su resignificación permiten percibir la aguda visión del artista para reconocer secretas relaciones entre las cosas, así como el exquisito sentido del diseño que permea todo su trabajo, incluidos sus dibujos y pinturas. La fantasía es el hilo conductor en la realización de estos objetos, los cuales reiteran, desde una perspectiva diferente, el talante versátil y audaz de la producción creativa de Jim Amaral

 

 

Eduardo Serrano 

Inauguración:  12 de julio, 6:00 a 9:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 17 de agosto

 

Recientemente, el ritual ha sido definido como una estrategia cultural del actuar frente al mundo. Es una ventana a las dinámicas socio-culturales a través de las cuales las personas construyen sus espacios. El ritual es una acción, y por lo tanto, una actividad que se ha distanciado de un proceso intelectual definido. Se ha entendido muchas veces como una acción que se hace sin pensar—rutinaria, habitual, obsesiva o mimética— y por lo tanto puramente formal o secundaria: una mera expresión física de ideas lógicas. Sin embargo, es una actividad que perdura y que más recientemente se ha entendido como una dinámica fundamental de la cultura. Lo ritual sacraliza cosas, personas y eventos.

 

Es a partir de esta última noción de la cual partimos para explorar la relación entre las prácticas rituales y el traspaso de estas acciones cargadas de significados a objetos que característicamente han sido parte fundamental de estas actividades: las joyas y la ornamentación corporal. Históricamente, las joyas pueden ser entendidas como objetos cargados de un alto significado afectivo y simbólico, los cuales se adjudican a través de la cercanía de estos objetos con el cuerpo, de su uso casi personal, y por medio de ceremonias y rituales que incrementan el valor de los objetos.

 

Los diseñadores invitados a participar en esta muestra han aceptado el reto de explorar aquello que denominamos lo ritual, a través de la expresión plástica de una joya.  Cada diseñador ha sido libre en encontrar el ángulo mediante el cual hacer el desarrollo conceptual de sus piezas y reflexionar alrededor de ésta noción: ¿Qué significa adjudicar a un objeto valores simbólicos que transcienden lo puramente material? ¿Cómo se trasladan las prácticas rituales en ornamentos corporales?

 

La exposición está dividida en cuatro ejes conceptuales que se desarrollaron a partir de las propuestas de los diseñadores. Los trabajos de Aysha Bilgrami y Natalia Criado emergieron a partir de una reflexión en torno a la memoria con un particular énfasis en la herencia. Las propuestas de Lucía Moure y Carolina Vélez (Oropéndola) se centran en la creación de objetos protectores que actúan como talismanes protectores o dadores de fuerza. Los proyectos de Daniel Matiz, Eliana Zuluaga, y Javier Durango enfatizan en el aspecto ritual que existe en las interacciones humanas ya sean sociales o personales como por ejemplo en el juego, el cortejo, el amor o incluso en la complacencia excesiva del yo. Finalmente, los trabajos de Simón Mazuera, Anett León, Paula Estrada y Nuria Carulla reflexionan sobre la ritualización de la vida misma y la cotidianidad. 

Inauguración:  20 de mayo de 2017, 3:00 p.m.

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 21 de junio

 

La joven artista Teresa Currea Moncaleano, graduada en Bellas Artes en la Universidad Nacional de Colombia, presenta la muestra titulada "Naturalezas Antónimas". Esta muestra se inaugura en el marco de ARTBO | Fin de Semana.

"Un recorrido por diferentes universos que parecieran distantes y sin relación pero que gracias al poder del dibujo se juntan o se hacen uno". Así se refiere la pintora y artista visual, sobre la exposición.Esta exposición no solo exalta los opuestos en los elementos dibujados, sino también en la técnica: lápiz y tinta, y en la materia: papel y vidrio o cerámica. 

 

"Cada una de las piezas que compone esta muestra, es un pequeño universo de contrastes, inspirados sobre todo en la inquietante y fascinante reunión de la naturaleza y el artefacto, como antónimos perfectos que se entrelazan en diferentes escenarios, estimulando nuestra capacidad de imaginar y conectar, de creer posibles acertijos de la poética".

 

Ya decía el filósofo francés, teórico social e historiador de ideas Michel Foucault: “Por lo demás, no se trata de la extravagancia de los encuentros insólitos. Sabemos lo que hay de desconcertante en la proximidad de los extremos o sencillamente, en la cercanía súbita de cosas sin relación”.

La artista celebra 10 años de carrera profesional, además de mostrar al público una forma más de exaltar los opuestos de los elementos dibujados,  deja entrever en cada una de sus obras la madurez  en el trabajo de las piezas con cada una de las técnicas empleadas.

Es así como el lápiz y la tinta, el papel, el vidrio y la misma cerámica tienen el toque especial de Teresa Currea, quien por años ha venido perfeccionando su manera de trabajar.     

Inauguración:  19 de abril de 2017, 6:00 p.m

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 16 de mayo

 

Pablo Guzmán nació en San Agustín, Huila, estudió arte en la Universidad de Antioquia, y su obra figura en importantes colecciones como las del Museo de Antioquia y Suramericana de Seguros en Medellín. 

“La pintura de Pablo Guzmán plantea una paradoja visual puesto que incluye simultáneamente conceptos pertinentes al realismo y la abstracción, y una paradoja intelectual puesto que entraña nociones que pueden atribuirse paralelamente al historicismo y la contemporaneidad. 

Su trabajo es pictórico y representacional, lo que se ha convertido en un verdadero anatema para los críticos y artistas que todavía funcionan con el imperativo modernista del vanguardismo. Pero su realismo no sólo dista enfáticamente del realismo pictórico que imperaba antes de la aparición de la fotografía, puesto que su objetivo no es la representación minuciosa de la realidad que condujo al trompe l´oeil, sino que, por el contrario, su realismo parte de fotografías, aunque sin que su propósito sea tampoco la reproducción precisa de la imagen de la cámara, como en el hiperrealismo.

En su obra se exploran a nivel conceptual ciertas cualidades de las cosas con la intención de conducir a reflexiones sobre ellas, por ejemplo, acerca de sus posibilidades de transmitir ideas abstractas las cuales no son representables visualmente sin acudir a elementos que los ejemplifiquen. El artista reitera este propósito con los títulos de las obras: Suma, Colección, Regularidad, Complejidad, Brillo, Serialidad, Lote, Neuma y Proyecto; y es en ese sentido que la abstracción interviene en su trabajo ya que no sólo el artista “hace abstracción” de las propiedades de los objetos que no tienen que ver con sus propósitos, sino que transmite construcciones mentales que no son tangibles o concretas. Dicho de otra forma, el artista, a pesar de apoyarse en el mundo sensible, sólo lo hace parcialmente para centrarse en la comunicación de pensamientos.

Sus representaciones patentizan contemporaneidad también en el hecho de que abordan materiales propios del mundo actual, de la cotidianidad urbana de este siglo, lo que denota su convicción de que cualquier recurso es válido para transmitir ideas y suscitar razonamientos orientados a explorar la vida, a meditarla y comentarla. Y el artista lo hace por medio de la representación de acumulaciones de objetos intrascendentes, de donde deviene el título de la muestra, Sumario, como haciendo manifiesto que estos objetos compendian buena parte de su entorno; de un entorno que pasa desapercibido para la mayoría, pero que es claramente indicativo de su momento en el marco del devenir histórico.

Su obra puede ser experimentada en su esencia formal, pero demanda simultáneamente identificar la idea subyacente, es decir, puede ser apreciada como un objeto en sí, pero también como una referencia, como un signo, haciendo clara su convicción de que el interés intelectual y estético se pueden combinar en la experiencia de un trabajo visualmente impactante y teóricamente complejo.”

 

Por Eduardo Serrano

  

Inauguración: 9 de marzo de 2017, 6:00 p.m

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 7 de abril de 2017

 

Los áreas geográficas que representa Jansel Figueroa no tienen nada que ver con las pinturas de panoramas y parajes tradicionales puesto que en lugar de subrayar la exuberancia de la naturaleza o la emoción del artista ante su espectacularidad, su propósito consiste  en visibilizar la relación hombre-naturaleza, y en patentizar cómo esa relación se ha desarrollado invariablemente en detrimento de esta última. El protagonismo de la madera en su obra y el hecho de que este elemento que otrora fuera naturaleza, se presente  pulido, embellecido artificialmente,  e industrializado, ejemplifica las razones de sus argumentos.

La madera representa coherentemente en sus imágenes las zonas áridas, resultado de las vicisitudes e innovaciones producidas por el urbanismo que ha traído como consecuencia terraplenes, desmontes y rellenos  donde la naturaleza, reducida a pequeños brotes y expulsada hacia los límites de las ciudades parece negarse a desaparecer. Pero ahora los troncos de los árboles ya no se expanden libremente y su follaje ya no tiene el ímpetu primigenio. Mutilada, restringida, sin lograr acceder al subsuelo que le dio su original sustento y sin poder crecer a sus anchas, pero conservando parcialmente el atractivo de sus formas y colores, la naturaleza, en sus representaciones, resulta un tanto melancólica y hasta cierto punto alarmante.

La obra de Jansel Figueroa suscita reflexiones acerca del entorno que le ha correspondido al ser humano contemporáneo, al respecto de lo cual ha escrito el artista que busca “modificar la pintura de paisajes, reformular su formato y contenido acercándolo a los elementos básicos de la configuración de una imagen idealizada y aprovechando acciones ejercidas sobre lo natural como podar, recortar cubrir, construir y fraccionar y resultando en una visión a medio camino entre lo real y lo ideal”.

 

Por Eduardo Serrano

Inauguración: 02 de febrero de 2017, 6:00 p.m

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 02 de marzo de 2017.

Curaduría: María Iovino

 

La noción de mujer fatal, femme fatale, o la encarnación del ícono femenino fatídico, ha sido un tema muy presente en el trascurrir de la historia. Desde aquellas idealizadas por la mitología griega: Helena de Troya, Medusa, Medea y Pandora, entre otras, hasta las que describen las escrituras bíblicas: Jezabel, Dalila, Salomé o Lilit.

 

En un pasado reciente se llegó a aceptar que el «estrellato», esa invención del Star System de Hollywood, era para unos pocos bienaventurados más virtuosos que el resto de los mortales. Luego se entendió que esas estrellas del celuloide —en la mayoría de los casos— llevaban vidas reales, sórdidas y trágicas. Quizás por esto, Edgar Morin se refería a estas estrellas como «actores con biografías».

 

A partir de esta sensación de creciente decepción entre lo aparente y lo real es que se construye la serie Des-encantadas de Paloma Castello. La dualidad vigente en la naturaleza del estrellato femenino es puesta en cuestión por la artista, evidenciando que la glamorosa imagen pública de las estrellas es bastante diferente a sus propias biografías.

 

Castello creció en un ambiente matriarcal donde surgió una sublimada imagen del glamour y gran fascinación por la edad dorada de Hollywood, asimismo, la seducción por la imagen de las divas de la época fueron parte fundamental de su educación sentimental. Una especie de quimérica nostalgia aparecía en el esplendor emanado por las heroínas que aparentemente lo tenían todo: fama, carisma, belleza y dinero. Castello recoge estos elementos y, guiada por su obsesión, los lleva hasta extremos performáticos. Ella se imagina a sí misma como una diva transportada hasta un interludio ficcional, de fantasía, donde amalgama lo ficticio y lo real. Así, su autorretrato fotográfico la muestra luciendo un majestuoso atuendo de época, revela más que un documento, es la culminación de su placer por la inmersión dramática y también un apasionante ritual de suplantación.

 

Sin embargo, algún día Castello comenzó a revaluar esa adoración por las divas. Explorando las lecturas de Baudrillard y reflexionando en torno a la seducción del artificio, luego se detuvo a contemplar el simulacro contemporáneo, la perversa seducción fría de los ídolos modernos. Luego planteó su hipótesis: lo real ha sido suplantado por lo híper-real.

 

Así nació Des-encantadas: un conjunto de retratos dibujados directamente sobre fotos de divas del cine mudo como Pola Negri, Tallulah Bankhead, Louise Brooks y Vilma Bánky. Todas ellas fueron elegidas por Castello debido a sus escandalosas y polémicas vidas aderezadas con desgraciados eventos como romances ilícitos, matrimonios apresurados, divorcios, bancarrotas, alcoholismo y abuso de drogas, lo cual las llevó al olvido prematuro por parte de la industria cinematográfica que otrora las divinizara.

 

Si la serie Des-encantadas cumple con el efecto deseado, es posible que el espectador reflexione y sospeche de estos íconos populares y de los modelos impuestos por los medios de comunicación, los mismos que también tienen reservas sobre la irrealidad y las farsas que han creado.

 

Por Ramiro Camelo

Please reload

Lugares que he llamado hogar

Mónica Naranjo U.

Inauguración: 20 de octubre de 2016, 7:00 p.m

Bogotá - Colombia

Abierta al público hasta: 15 de diciembre de 2016.

Curaduría: María Iovino

 

En la medida en que ha cambiado la relación con el tiempo y con el espacio y en que se han vencido fronteras que ellos condicionan, ha ganado importancia la reflexión acerca de lo que significa el encuentro en sus más diversas posibilidades.

 

A lo mucho que falta por comprender lo que ha supuesto la travesía oceánica de conquistas y colonizaciones que hace más de cinco siglos puso en contacto a los distintos continentes, se ha sumado la intensidad de conexiones propiciada por los desarrollos de las ciencias. Son muchos los límites que se han quebrado, cada vez con mayor celeridad, permitiendo así que lo que estaba retenido tras ellos se desbordara de muy distintas maneras. Todavía hace falta ganar distancia sobre estos hechos para poder observar con mayores referencias lo que han implicado las fusiones y los rechazos que han comportado tantos cambios.

 

Aunque el planeta y lo que habita en él se percibe hoy mucho más conocido y familiar que hace apenas pocos años, cientos de problemáticas indican que tal conocimiento es, en lo fundamental, una ilusión nacida de las formas representativas más popularizadas.  No son pocas las expresiones de artistas e investigadores que hacen ver que la entrega que exige el encuentro para el real entendimiento, comprensión y compenetración con los otros seres y con el planeta mismo aún no ha sucedido.

 

Una de esas propuestas es la de Mónica Naranjo. El centro reflexivo del trabajo de esta artista ha sido el recorrido por espacios naturales, así como por grandes y pequeñas metrópolis del mundo, en las que, en un delicado ejercicio contemplativo, reconoce fuerzas naturales y comportamientos humanos, muchas veces en el escenario de acontecimientos comunes y rutinarios. En cada evento que observa la artista se hace patente la introspección profunda de la que surgen sus señalamientos y, también, la consciencia sobre lo ajeno que puede ser cada ser humano hacia los otros seres o hacia el espacio que habita. Ello, a pesar de la convivencia y a pesar del abrigo que ofrecen los lugares que se ocupan.

 

De igual manera, la obra de Mónica Naranjo hace claridad acerca de lo desconectada que está la concepción citadina de la vida de la naturaleza, aunque ella sea omnipresente. En el trabajo de la artista, por lo mismo, la naturaleza ha sido atmósfera antes que cuerpo, lo que significa que su estado primordial es la misma esencia que se nombra nada o vacío. Ésta es la determinante de cada gesto de vida aún cuando la comprensión de lo verdadero no llegue hasta allí y margine lo evidente.

 

Las ciudades, los ciudadanos, los interiores, los pasajes y los paisajes de Mónica Naranjo son voces de encuentros y de reflejos y, además, expresiones de climas en los espacios de la tierra por los que pasa eternamente y siempre renovado el aliento del universo. En esa medida, cada uno de esos lugares se entiende como expresión del mismo hogar cuando se descifran los detalles ínfimos y se revela que las mismas fuerzas en distintos extremos se comportan como calidez o frialdad, dureza o fragilidad y movilidad o condensación entre las infinitas posibilidades del movimiento y de la creación.

 

 

María A. Iovino

Please reload

Entretiempos

Anibal Vallejo

Aníbal Vallejo estudió artes visuales y diseño de modas en la Universidad de Antioquia y en la Colegiatura de Medellín respectivamente, formaciones que le han aportado maneras diversas de comprender y de expresar la imagen, las cuales encuentra y cruza en forma sintética y con un claro talento para el manejo del color y del espacio. A ello, es necesario sumar una relación natural con la literatura y con la generación de universos que le confiere al artista el hecho de pertenecer a una familia de escritores. Y este hecho mueve a comunicar el trabajo abstracto que ha realizado el artista en años recientes con el de carácter más figurativo que desarrolló en otros momentos de su carrera.

 

Las arquitecturas que surgen de las composiciones de Aníbal Vallejo tienen conexiones íntimas con formas comunes de la vida cotidiana, entre las que se encuentran cientos de construcciones utilitarias y de armonías ornamentales que se despliegan para él sobre todo desde el mundo textil, observado en los contextos rutinarios y también, en el inmenso despliegue que a ese respecto hace la historia del arte.

 

La atención en este tipo de detalles le ha dado al artista una educación y una fortaleza especial, bastante apreciable en días actuales, en los que son pocos los creadores de imagen que aprecian y conocen el exigente mundo del color y el de la gracia del movimiento, tan apreciado por las artes decorativas. Fue precisamente el encantamiento con ese universo el que animó a un artista como Matisse a perderse en la infinitas posibilidades del color y de las formas atractivas del mundo inmediato, mientras se alejaba de los rigores y restricciones intelectuales de la academia de bellas artes.

Please reload

Políticas de privacidad

© 2017 AURORA espacio para el arte y diseño

Términos y condiciones de uso

Nueva Sede: Carrera 27 No. 84-41

Bogotá, Colombia

Tel. +57 (1) 704 12 73

Horario de atención: Lunes a viernes

De 10 a.m. 5 p.m. Atención al público

Sábado con cita previa